Programme | Festival Beethoven à Beaune

Jeudi 4 Avril – 20h : La Lanterne Magique, Beaune
Liza Ferschtman, Enrico Pace, Sung-Won Yang, Quatuor Ardeo

Schubert, Sonate pour violon et piano en La Majeur D. 574

Liza Ferschtman, violon
Enrico Pace, piano

Franz Schubert a pris des décisions importantes avant de composer sa quatrième et dernière sonate pour violon en août 1817. Il a décidé de ne pas retourner enseigner à l’école de son père et a quitté le domicile familial pour s’installer chez son ami, le poète et futur librettiste, Franz von Schober. Initialement intitulée sonate pour piano et violon – l’ordre des instruments est révélateur – la D. 574 représente une ambition plus grande et exige une plus grande virtuosité que ses précédentes « sonatines », comme en témoigne la décision de Diabelli de la publier à titre posthume sous le nom de « Grand Duo » pour violon et piano.

La Sonate pour violon et piano en la majeur D. 574 commence de manière conventionnelle avec un Allegro moderato en forme de sonate. Cependant, Schubert remplace le menuet attendu par un Scherzo enflammé : presto qui traverse des harmonies lointaines avant de glisser dans un Trio central. L’Andantino commence par une mélodie envoûtante interrompue par des éclats dramatiques. Le finale, un Allegro vivace, parcourt trois tonalités au lieu des deux conventionnelles dans son exposition ; quelque chose qui devient une empreinte caractéristique des formes de sonate de Schubert. En 1825, Schubert a adapté le deuxième sujet comme une danse, son Cotillon en mi bémol majeur, D. 976.

Beethoven, Trio pour Piano, Violon, et Violoncelle en Ré Majeur Op. 70 No. 1 ‘Les Esprits’

Enrico Pace, piano
Liza Ferschtman, violon
Sung-Won Yang, violoncelle

En 1808, Ludwig van Beethoven envisageait d’écrire un opéra après Macbeth. Parmi les croquis abandonnés de ce projet, se trouvent des idées qui allaient devenir le mouvement lent de son Trio pour piano, op. 70 no. 1, achevé l’année suivante. Carl Czerny établira plus tard un lien entre le Largo assai ed espressivo et une autre pièce de Shakespeare, percevant dans ses tremolandi et ses chromatismes une évocation de la scène où Hamlet rencontre le fantôme de son père. D’où le surnom d’un trio pour piano écrit lors d’un été passé à la résidence de la comtesse Marie von Erdödy à Heiligenstadt.

Les deux mouvements extérieurs de l’Op. 70 no. 1 affichent une perspective plus lumineuse que le centre spectral du trio. L’ouverture en unisson de l’Allegro vivace e con brio s’interrompt de manière inattendue, le violoncelle introduisant un thème que, dans une critique de 1813, E.T.A. Hoffmann décrit comme « exprimant une sérénité ingénieuse, une conscience joyeuse et confiante de sa propre force et de sa substance ». Les humeurs fluctuantes du final Presto rondo continuent à explorer des harmonies inhabituelles, poursuivant le questionnement ludique du premier mouvement, avant de se terminer par une coda exubérante.

entr’acte

L. Janáček, 2^ème Quatuor à Cordes « Lettre Intime »

Quatuor Ardeo

En 1923, le Quatuor Bohemian demanda à Janáček de composer deux œuvres pour eux. La première, connue sous le nom de « Sonate à Kreutzer » d’après la nouvelle de Léon Tolstoï, fut achevée assez rapidement et donna lieu à sa première le 17 octobre 1924. La seconde prit plus de temps et fut finalement interprétée par le Quatuor Morave le 11 septembre 1928, quelques semaines après la mort de Janáček.

Le compositeur avait rencontré Kamila Stösslová en 1917 et en était immédiatement épris. Elle avait quarante ans de moins que lui et était mariée avec des enfants, mais cela n’empêcha pas le compositeur de lui envoyer plus de 650 lettres. Leur premier baiser, le 19 août 1927, aurait apparemment inspiré le quatuor, initialement intitulé « Lettres d’amour ». Bien que Janáček ait élaboré un programme pour l’œuvre, celui-ci ne figurait pas dans la partition publiée et le titre fut changé pour le moins provocateur « Listy důvěrné » (« Lettres intimes »). Bien sûr, cela n’a pas empêché les critiques et les chercheurs de spéculer sur la manière dont les dialogues entre les instruments du quatuor – leurs thèmes et harmonies contrastés – pourraient refléter les différentes étapes de leur relation : de l’espoir initial à la joie finale.

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Vendredi 5 Avril – 20h : La Lanterne Magique, Beaune
Sung-Won Yang, Enrico Pace, Frank Braley, Han Kim, Quatuor Ardeo

Janáček, Pohádka, conte pour Violoncelle et Piano

Sung-Won Yang, violoncelle
Enrico Pace, piano

« Pohádka » (qui signifie « Un Conte ») est une pièce captivante pour violoncelle et piano composée par le compositeur tchèque Leoš Janáček. Écrite en 1910, l’œuvre est inspirée des contes de fées russes de Vasily Zhukovsky. Elle se compose de trois mouvements, chacun dépeignant un personnage ou une scène de conte de fées différent. La pièce se caractérise par ses mélodies lyriques, ses rythmes d’inspiration folklorique et son langage harmonique riche, mettant en valeur la voix musicale distinctive de Janáček. « Pohádka » est une très belle œuvre, évocatrice qui transporte l’auditeur dans un monde d’enchantement et d’émerveillement, pour violoncelle et piano.

Con moto – andante
Con moto – adagio
Allegro

Brahms, Trio pour piano, clarinette et violoncelle en La mineur Op. 114

Frank Braley, piano
Han Kim, clarinette
Sung-Won Yang, violoncelle

Brahms a entendu le clarinettiste Richard Mühlfeld lors d’une visite à Meiningen en mars 1891. Tellement séduit par le jeu magnifique et riche en vibrato de Mühlfeld dans le Quintette pour clarinette de Mozart et diverses œuvres orchestrales, il rétracta sa déclaration selon laquelle il avait cessé de composer et produisit un Trio pour clarinette et un Quintette pour clarinette (les Sonates pour clarinette suivirent quelques années plus tard). Le Trio et le Quintette furent joués en privé à Meiningen le 24 novembre 1891, avec Brahms au piano et le quatuor de Joseph Joachim ; la première représentation publique eut lieu à Berlin le 12 décembre.

Brahms semblait préférer le Trio, plus énigmatique, au Quintette populaire. Le premier mouvement oscille entre sa mélodie lyrique d’ouverture, introduite par le violoncelle et la clarinette, et une figuration des plus tempétueuses. Les harmonies se détournent constamment du majeur vers le mineur jusqu’à la fin du mouvement, qui s’arrête en la majeur, menant au ré majeur du riche Adagio. Bien que le troisième mouvement puisse être un scherzo, il est doux tant dans le ton que dans le tempo, marqué Andantino grazioso. Le mode mineur revient inéluctablement dans le dernier Allegro.

entr’acte

Dvorák, Quintette No. 2 pour piano et quatuor à cordes en La Majeur Op. 81

Frank Braley, piano
Quatuor Ardeo

La musique de chambre était au cœur de la production d’Antonín Dvořák, depuis ses premières compositions dans les années 1860 jusqu’à la fin de sa carrière, reflétant peut-être qu’il était altiste. Une des seules pauses dans sa production a eu lieu au milieu des années 1880, lorsqu’il s’est concentré pendant quelques années sur des commandes pour la maison d’édition de Brahms, Simrock. Après cela, il composa quelques œuvres de caractère de petite envergure – un Terzetto, Drobnosti (Miniatures) et un arrangement d’une partie de son cycle de chansons Cypresses pour quatuor à cordes intitulé Echo of Songs. Ensuite, il composa l’une de ses œuvres les plus célèbres, le deuxième quintette pour piano en la majeur, op. 81, joué pour la première fois à Prague le 6 janvier 1888. Les quatre mouvements démontrent la beauté mélodique, la vitalité rythmique et la clarté formelle du style mature de Dvořák : du thème tranquille qui ouvre l’Allegro, ma non tanto, au Scherzo caractéristique « furiant » ; jusqu’à l’élan contrapuntique du finale. Le deuxième mouvement, « Dumka », précède le Trio pour piano op.90 de Dvořák, les ‘Dumky’, de deux ans. Le compositeur était particulièrement associé à ce genre slave, caractérisé par une mélodie lente et mélancolique avec des sections contrastées qui empruntent quelque chose à la musique folklorique.

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Samedi 6 Avril – 20h : La Lanterne Magique, Beaune
Quatuor Ardeo, Han Kim, Frank Braley, Liza Ferschtman, Yuko Hara, Sung-Won Yang, Enrico Pace

Mozart, Quintette avec clarinette et quatuor à cordes en La Majeur K. 581

Quatuor Ardeo
Han Kim, clarinette

Le clarinettiste Anton Stadler a interprété plusieurs pièces de Mozart : il a inclus la Sérénade pour vents dans son propre concert bénéfice en 1784, et a joué lors des premières de la Maurerische Trauermusik maçonnique et du Trio Kegelstatt en 1786, avant de donner la première représentation du Quintette pour clarinette de Mozart lors d’un concert de la Tonkünstler-Societät à Vienne le 22 décembre 1789. Bien que la personnalité de Stadler ait pu être difficile pour Mozart, il a continué d’admirer son jeu, composant ensuite pour lui le Concerto pour clarinette (1791) et un rôle important dans les arias de l’opéra La clemenza di Tito (1791).

De toutes les œuvres que Mozart a composées pour Stadler, probablement seul le Quintette était destiné à son nouveau type de clarinette, qui avait plus de touches chromatiques et une tessiture plus étendue. Mozart explore cela dans la figuration rapide de la clarinette dans le premier mouvement. Les cordes sont étouffées dans le Larghetto, offrant un accompagnement doux et ondulant à la mélodie expressive de la clarinette avant qu’un dialogue ne commence avec le violon. Le Menuet présente deux trios, le premier pour le quatuor à cordes seul et dans une tonalité mineure ; dans le second, la clarinette revient, tout comme le mode majeur. Le mouvement final est un ensemble de thème et variations, qui permet aux membres individuels de l’ensemble de briller, y compris à l’alto dans la troisième variation, la seule qui passe en mode mineur. On trouve un bref répit dans les mélodies montantes et la dentelle de la section Adagio avant que le thème principal ne revienne dans une coda animée.

Beethoven, Sonate pour piano No. 14 en do dièse mineur Op. 27 No. 2 ‘Clair de Lune’

Frank Braley, piano

Sonate quasi una fantasia. La description par Beethoven de sa quatorzième sonate pour piano, composée en 1801, signale ses qualités d’improvisations. Dès son célèbre début, il est évident que les conventions classiques sont délaissées au profit de quelque chose d’un esprit plus romantique. L’Adagio sostenuto d’ouverture est en forme de sonate, comme on pourrait s’y attendre, mais médite sur la tonalité inhabituelle de do dièse mineur et sur les qualités sonores de l’instrument à clavier, Beethoven prescrivant que l’ouverture doit être jouée avec la plus grande délicatesse et sans sourdine (Si deve suonare tutto questo pezzo delicatissimamente e sense sordino). L’Allegretto passe au mode majeur, avec des rythmes et des accents décalés. Le finale, Presto agitato, en échelle, verve et virtuosité, est plein de la tempête Beethovenienne.

Le romantisme naissant de la musique de Beethoven est renforcé par son histoire. Il a dédié la Sonate à son élève au piano – probablement un amour passé, plus tard devenu un bon ami – la comtesse Giulietta Guicciardi. Le surnom de cette sonate, ‘Clair de lune’, a rapidement gagné en popularité, devenant un point de référence courant à partir des années 1830. Son origine était probablement fictive : « Theodor: eine musikalische Skizze », du poète et critique allemand Ludwig Rellstab, publié dans le Berliner allgemeiner musikalische Zeitung en 1824 (une revue que Beethoven aurait connue). Un personnage musicien décrit l’Op. 27 no. 2 comme suit : « Le lac repose dans une lueur crépusculaire de lune (in dämmerndem Mondenschimmer), des vagues étouffées frappent la rive sombre ; des montagnes boisées sombres se dressent et ferment le lieu saint au monde ; des cygnes fantomatiques glissent avec des murmures chuchotants sur la marée, et une harpe éolienne envoie des tons mystérieux de désir éploré depuis les ruines ».

entr’acte

Brahms Quatuor avec piano No. 1 en Sol mineur Op. 25

Liza Ferschtman, violon
Yuko Hara, alto
Sung-Won Yang, violoncelle
Enrico Pace, piano

Lors de sa première visite à Vienne à l’automne 1862, armé d’introductions de Clara Schumann et d’autres amis musiciens, Johannes Brahms a impressionné le public avec des interprétations de ses Variations sur un thème de Haendel op. 24 et de son grandiose Quatuor avec piano en sol mineur op. 25. Le mouvement d’ouverture de l’op. 25 explore une large gamme d’idées mélodiques et de domaines harmoniques dans une forme sonate élargie. Le traditionnel scherzo ou menuet est remplacé par un Intermezzo, qui commence avec un thème pressant et oscillant en do mineur joué par des cordes étouffées. Ce mouvement et le suivant utilisent le contraste de manière très efficace : des idées lyriques ou rythmiques particulières caractérisent chaque section, leurs différences étant soulignées par des changements de tonalité.

Dans le Rondo-finale « alla Zingarese », Brahms introduit le style hongrois. Les évoquations de la musique hongroise “Tzigane » étaient depuis longtemps populaires parmi les compositeurs classiques : depuis le confort des centres urbains tels que Vienne, les souches folkloriques, avec leurs libertés sociales et musicales associées, semblaient exotiques de manière scintillante. Le thème de rondo du final de l’op. 25 se caractérise par des rythmes de battements de pied, des ornements mélodiques, des accents dynamiques et des accords étalés et des notes répétées dans la basse, tous transmettant une énergie de style orchestre de danse. Les phrases irrégulières font plonger la mélodie dans sa prochaine itération sans pause. Ce thème est entrecoupé de sections contrastées, comprenant une mélodie plus lente, décalée, plutôt fière en sol majeur, une mélodie lugubre pour les cordes avec une touche de l’ambiance d’un orchestre de café, et une cadence virtuose pour le piano qui se précipite dans la tonalité étrangement étrangère de fa dièse mineur. Il y a même un regard vers une fugue – Brahms, peut-être, faisant un signe au legs de Bach et Beethoven – mais cela se dissipe rapidement dans le retour final triomphant du thème principal.

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Dimanche 7 Avril – 16h30 : Salle St Nicolas, Hospices de Beaune
Enrico Pace, Sung-Won Yang, Liza Ferschtman, Han Kim

Bach – Busoni, Chorale Préludes

Viens maintenant, Sauveur des païens BWV 659
Réveillez-vous, le veilleur nous appelle BWV 645
Je crie vers toi, Seigneur BWV 639

Bach – Siloti

(élève de Franz Liszt, né en Ukraine)

Prélude en Si mineur BWV 855a du Clavier bien tempéré
Sicilienne de la sonata pour flute et clavier BWV 1031

Bach – Myra Hess

Jésus, que ma joie demeure BWV 147

Enrico Pace, piano

« L’absolument moderne n’existe pas », écrivait Ferruccio Busoni en 1907 : « seulement ce qui émerge à un moment antérieur ou ultérieur dans le temps… « Moderne » et « ancien » ont toujours existé ». Les dix préludes choraux de Busoni (1907-1909) témoignent du respect particulier et de longue date qu’il vouait à la musique de J.S. Bach. Les dix-huit préludes choraux de Bach eux-mêmes ont prouvé que le « Moderne » et l’« ancien » ont toujours existé : en eux, des hymnes du XVIe siècle de Martin Luther sont transformés en fugues et inventions, Bach rendant simultanément hommage à des compositeurs plus anciens tels que Buxtehude et Pachelbel ainsi qu’aux tendances contemporaines comme le concerto italien. Dans sa réinterprétation du Bach, Busoni a entrepris un processus similaire de fusion de l’histoire avec le présent : selon Erinn E. Knyt, il visait à « recréer le puissant son des orgues dans des cathédrales réverbérantes sur le piano ».

D’autres musiciens du début du XXe siècle étaient également désireux de faire découvrir Bach au public. À l’époque avant la « performance historiquement informée », cela signifiait adapter ses œuvres pour clavier au piano moderne. Alexander Siloti, né en Ukraine, a étudié puis enseigné au Conservatoire de Moscou. Il était un chef d’orchestre, éditeur et pianiste de renommée internationale, ayant fui la Russie en 1917, vivant finalement à New York. Ses transcriptions de Bach ont été acclamées de son vivant, notamment le Prélude en si mineur. L’arrangement en 1926 de la pianiste britannique Myra Hess de « Jesu, Joy of Man’s Desiring », le choral de la cantate de l’Avent de Bach de 1723, Herz und Mund und Tat BWV 147, a également été célébré. Elle le jouait souvent lors de ses tournées en Europe et aux États-Unis. Ces transcriptions, comme toujours, en disent autant, voire plus, sur la manière dont elles sont entendues et interprétées par leur arrangeur que sur Bach lui-même.

Beethoven, Sonate pour violoncelle et piano No. 4 en Do Majeur Op. 102 No. 1

Sung-Won Yang, violoncelle
Enrico Pace, piano

Beethoven connaît le plus grand succès financier de sa carrière pendant le Congrès de Vienne en 1814. Plusieurs de ses œuvres sont interprétées dans le cadre des divertissements organisés pour les diplomates et les dignitaires qui déterminent l’avenir de l’Europe après la capture de Napoléon. La veille du Nouvel An, le palais de l’ambassadeur russe, le comte Razumovsky, est réduit en cendres : non seulement le comte perd une collection d’art inestimable, mais il dissout également son quatuor à cordes de maison. Son violoncelliste, Joseph Linke, se retire sur le domaine de la comtesse Erdődy dans le village de Jedlesee. Beethoven compose les deux Sonates pour violoncelle op. 102 pour son vieil ami Linke, qui donne la première représentation à l’hôtel Römischer Kaiser, avec Carl Czerny au piano, le 18 février 1816.

L’op. 102 no. 1 avait initialement le titre inhabituel de « Sonate libre ». Elle se compose de deux mouvements : le premier commence par un Andante qui ne semble pas tout à fait être une introduction, mais plutôt une méditation sur une idée. L’ambiance contemplative est brisée par l’Allegro vivace truculent. Le deuxième mouvement se divise en trois parties : la tension monte à travers une introduction Adagio mais se dissipe avec l’introduction du béatifique Tempo d’andante. Un motif de quatre notes interrogatives devient le thème du dernier Allegro vivace, le violoncelle et le piano se poursuivant et se lançant des défis mutuels, jusqu’à ce qu’ils se rejoignent dans les dernières mesures jubilatoires.

Entr’acte

Messiaen, Quatuor pour la fin du Temps

Liza Ferschtman, violon
Han Kim, clarinette
Sung-Won Yang, violoncelle
Enrico Pace, piano

Olivier Messiaen a déclaré que parmi ses rares consolations pendant sa captivité en tant que prisonnier de guerre se trouvaient les partitions de poche des Concertos brandebourgeois de Bach et de la Suite lyrique d’Alban Berg. Un officier lui a également donné du papier à musique, des crayons et des gommes, ce qui lui a permis de continuer à composer. Messiaen a écrit pour les autres musiciens du camp : le violoncelliste Étienne Pasquier, le clarinettiste Henri Akoka et le violoniste Jean le Boulaire. Les instruments qu’ils utilisaient pouvaient manquer de cordes et être désaccordés, mais les gardiens de prison les encourageaient à répéter tous les soirs. La première représentation a eu lieu le 15 janvier 1941, devant 5000 prisonniers de tous horizons.

Messiaen prétend avoir commencé par l’« Intermède », qui est devenu le quatrième des huit mouvements du Quatuor pour la fin du temps. Il a également réutilisé de la musique qu’il avait composée pour l’orgue ou les Ondes Martenot pour les troisième, cinquième et huitième mouvements. Il semble probable que la « Liturgie de cristal » d’ouverture ait été terminée en dernier. L’ensemble complet ne joue que dans les premier, deuxième, sixième et septième mouvements du Quatuor pour la fin du temps ; sinon, les instruments jouent dans différentes combinaisons ou seuls. Le chant d’oiseau est présent tout au long, la clarinette et le violon imitant des rossignols et des merles. Messiaen a continué à s’inspirer de son intérêt pour le plain-chant, la musique indienne et russe pour explorer les modes, les séquences de hauteur et d’accords répétés, ainsi que des motifs rythmiques étendus. Une fureur énergique dans l’écriture forte et unie de la « Danse de la fureur, pour les sept trompettes » précède l’Ange qui annonce la fin du temps (« Fouillis d’arcs-en-ciel, pour l’Ange qui annonce la fin du Temps »). Le mouvement central, le cinquième, pour violoncelle solo s’intitulait « Louange à l’Éternité de Jésus ». Son pendant, « Louange à l’Immortalité de Jésus », est un solo de violon, marqué pour être joué extrêmement lentement, qui conclut le quatuor de manière extatique.

Messiaen cite le Livre de l’Apocalypse dans sa préface au Quatuor pour la fin du temps, inscrivant sur la partition : « en hommage à l’Ange de l’Apocalypse, qui lève une main vers le ciel en disant : « Il n’y aura plus de temps » ». Messiaen a expliqué au premier public que « ce quatuor a été écrit pour la fin du temps, non pas comme jeu de mots sur le temps de la captivité, mais pour la fin des concepts du passé et du futur : c’est-à-dire pour le début de l’éternité ». Des décennies plus tard, le compositeur se souvenait qu’il n’avait « jamais … été écouté avec autant d’égards et de compréhension ».

Laura Tunbridge
Jan, 2024

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Jeudi 20 Avril – 20h : Salle St Nicolas Des Hospices
Christophe Coin, Bertrand Cuiller

Christophe Coin, violoncelliste
Bertrand Cuiller, claveciniste

Bach

Sonate pour viole de gambe et clavecin BWV 1027 en sol majeur
Toccata pour clavecin BWV 912 en ré majeur
Sonate pour viole de gambe et clavecin BWV 1028 en ré majeur
Suite No. 2 pour Violoncelle Seul BWV 1008
Sonate pour viole de gambe et clavecin BWV 1029 en sol mineur

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Vendredi 21 Avril – 20h : La Lanterne Magique, Beaune
Momo Kodama, Sunhae Im

Momo Kodama, piano
Sunhae Im, soprano

Mozart

Sonate en ré majeur KV 576 pour Piano

(Momo Kodama)

Lieder :

An Chloë
Das Lied der Trennung K.519
Sehnsucht nach Frühling K.596
Das Veilchen K.476
Abendempfidung an Laura K.523

(SunHae Im, Soprano – Momo Kodama, Piano)

Sonate en si bémol majeur KV 333

Arie :

« Giunse al fin.. Deh vieni non tardar » extrait de « Le nozze di Figaro »
« Una donna a quindici anni » extrait de « Così fan tutte »
« Zeffiretti lusinghieri » extrait de « Idomeneo »
A. Adams « Ah! vous dirai-je, maman » extrait de 12 Variation KV265

(Momo Kodama)

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Samedi 22 Avril – 20h : La Lanterne Magique, Beaune
Quatuor Chaos

Quatuor Chaos
Susanne Schäffer, violon
Eszter Kruchió, violon
Sara Marzadori, alto
Bas Jongen, violoncelle

Beethoven op 18 no.2 en sol majeur
Beethoven Grosse Fuge op 133.
Beethoven op 130 en si bémol majeur

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Dimanche 23 Avril – 16h30 : La Lanterne Magique, Beaune
Trio Owon

Trio Owon
Olivier Charlier, violon
Sung-Won Yang, violoncelle
Emmanuel Strosser, piano

Schubert

Trio en si bémol majeur op. 99
Notturno pour trio avec Piano en mi bémol majeur D. 897
Trio en mi bémol majeur op. 100

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Jeu 21 avril, 20h : La Lanterne Magique, Beaune
Full Solo « Improvisations sur Beethoven »

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BEETHOVEN AT NIGHT

Paul Lay est un Marvel du piano. Un superhéros des 88 touches, les pliant sous ses doigts à sa volonté.

Il fait partie de cette génération mutante qui a grandi un pied dans le classique, un pied dans le jazz, et comprend la vérité inhérente à chacune de ces traditions. L’une, multicentenaire, s’attache depuis toujours à la clarté et l’intonation mélodiques, à la beauté des formes et des polyphonies, tandis que l’autre, toute jeune encore d’à peine un siècle, explore avec obstination toutes les possibilités rythmiques et harmoniques de l’improvisation.

Rassemblez ces deux héritages, fondez-les dans le moule du Conservatoire Supérieur National de Musique, saupoudrez de génie, laissez durcir quelques années et vous avez Paul Lay. Inutile de dire qu’il n’est pas passé inaperçu : à 30 ans, il se voit décerné pour son deuxième disque le prix de l’Académie Charles Cros, deux ans plus tard c’est le prestigieux prix Django Reinhardt distinguant le meilleur musicien de l’année, puis en 2020 les Victoires du Jazz qui confirment ce verdict.

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